Il layer editabile (cioè quello che stiamo utilizzando) è contraddistinto dal simbolo di una penna . In altre versioni questo simbolo sembra un coltellino (in realtà credo sia una penna stilografica).

Allo stesso modo, al momento di esportare un disegno posso escludere l’esportazione del livello Draft: lo vedo sul Canvas su cui ho disegnato ma non nel file esportato.

Ci può essere più di un livello Draft.

In genere imposto come Draft il layer con le “matite”, cioè il disegno non ancora inchiostrato. Spesso (specie se non ho realizzato il disegno già con una matita blu) cambio il colore del contenuto del layer cliccando sull’iconcina Change layer color, nella Property bar della Layer palette, che di default è impostata su un ciano (va da sé che anche questo colore può essere personalizzato).

Per impostare un livello come Draft andare su Layer > Layer Setting > Set as Draft Layer, oppure cliccare, nella Property bar della Layer palette, sull’icona con la matita Set as Draft Layer . ). Appare una barra azzurra accanto alla miniatura e il simbolo della matita nella parte destra del livello.

Fig. 3 - Draft layer

Reference layer

Un livello può essere impostato come Reference layer (= livello di riferimento). Un layer impostato come Reference può fungere da riferimento per alcuni strumenti o per le selezioni. Ad esempio, posso fare in modo che una selezione fatta su un layer in realtà consideri come limite anche il contenuto di altri layer. È utile ad esempio quando si fanno i riempimenti, in cui si lavora su un livello ma riferendosi alle linee che stanno su un altro, il Reference appunto.

Nel Reference layer accanto alla miniature del livello appare l’iconcina di un faro .

Per impostare un livello come Reference andare su Layer > Layer Setting > Set as Reference Layer, oppure cliccare, nella Property bar della Layer palette, sull’icona con il faro Set as Reference Layer.

Possono essere impostati come Reference layer più livelli contemporaneamente, basta selezionarli (CTRL + clic sui singoli livelli, oppure Shift + clic sul primo e l’ultimo di una serie di livelli successivi) e cliccare, nella Property bar della Layer palette, sull’icona con il faro.

 

Livelli raster e livelli vettoriali

In CSP è possibile disegnare su due tipi di livello: raster e vettoriale.

Se traccio due linee, una su un livello vettoriale e una su un livello raster, queste sono simili [io qui ho disegnato la linea in vettoriale, ho duplicato il livello e ho convertito la copia in raster, per questo sono proprio identiche]:

Fig. 4

Ingrandendo il disegno con lo zoom possiamo vedere che a un certo punto le due linee “sgranano”:

Fig. 5

Questo accade quando ho ingrandito tanto da rivelare la griglia di pixel su cui l’immagine è costruita [leggi anche la risposta di Massimo Borri a questo post, "...CSP è un programma di grafica raster (o bitmap, a pixel insomma) e i layer "vettoriali" contengono solo i percorsi del pennello usato, poi vengono disegnati comunque i pixel (tanti o pochi a seconda della risoluzione del lavoro)..."].

Torno indietro con lo zoom e ingrandisco le due linee in maniera “fisica” stavolta, cioè andando a modificare effettivamente le loro dimensioni.

Per far ciò, per il livello vettoriale creo una selezione attorno alla linea (in realtà per i livelli vettoriali potrei usare lo strumento Operation > Object, toccare la linea e trascinare un angolo del rettangolo di inviluppo che appare, ma funziona anche con la selezione), poi vado su Edit > Transform > Scale e tenendo schiacciato il tasto Shift (per non modificare le proporzioni) trascino la selezione per un angolo fino a ingrandirla per bene. CTRL+D per eliminare la selezione e faccio la stessa cosa per la linea sul livello raster (in questo caso posso ingrandire solo creando prima la selezione perché lo strumento Object non agisce sulle linee dei livelli raster).

Tornando poi a guardare una piccola zona con lo zoom (Fig.  6), posso vedere come la linea vettoriale non è per nulla diversa rispetto a prima di essere stata ingrandita “fisicamente”, mentre l’aspetto della linea raster è decisamente peggiorato, perdendo di definizione.

Fig.  6
Spiegata a grandi linee (…), la linea vettoriale è definita da funzioni matematiche che dicono al programma come ricostruirla a ogni ingrandimento “fisico”. Il livello vettoriale in pratica immagazzina non tanto l’immagine della linea come l’ho disegnata, ma come modificare le proprietà della linea tra vari punti chiave ogni volta che la ingrandisco (o rimpicciolisco). La qualità della linea rimane ottimale.

La linea raster, una volta disegnata, quella è. Se voglio ingrandirla “fisicamente” devo farlo con quello che ho: ciò vuol dire che, ingrandendo, aggiungo dello spazio tra i punti di cui il programma conosce le proprietà. Nello spazio che si crea tra questi punti il programma deve "inventare" cosa mettere, e così interpola le proprietà dei punti noti, creando nuovi punti "riempitivi" con proprietà arbitrarie, più o meno efficacemente. Si crea la cosiddetta pixellatura, ecco perché la qualità si deteriora.

   Di una linea vettoriale il programma conosce le proprietà di alcuni punti e le relazioni che intercorrono tra un punto e un altro, cioè ha un insieme di “… istruzioni e parametri per disegnare l'immagine finale, elemento per elemento, a partire da primitive geometriche come linee, curve, poligoni…” (vedi qui).       Se ingrandisco la linea, le istruzioni per disegnarla rimangono le stesse, varia solo la scala alla quale va disegnata. Tutte queste informazioni sono registrate in termini di funzioni matematiche e il programma non deve immagazzinare i dati ogni singolo pixel dell’immagine. A qualsiasi dimensione e risoluzione la linea è ridisegnata in maniera ottimale, senza perdite di definizione.

   Un’immagine raster è una griglia di punti (i pixel), ciascuno con determinati valori di colore e luminosità;  disegnando una linea in raster si definiscono le proprietà dei vari pixel che la compongono. Una volta stabilite, valgono per l’immagine così come è stata creata, cioè per quelle dimensioni e quella risoluzione. Se ingrandisco l’immagine, vengono introdotti dei nuovi pixel che non hanno informazioni sulle proprietà che devono avere e il software, in qualche modo, gliele crea ex-novo sulla base di quello che c’è intorno. L’informazione mancante viene interpolata, più o meno bene: è a questo punto che si creano le pixellature.

Qui, qui e qui ci sono degli articoli per approfondire l’argomento (comunque in rete si trovano moltissime altre pagine).

CSP non lavora in maniera pura con il vettoriale, ad esempio non permette il riempimento vettoriale di forme chiuse da linee vettoriali. Non è possibile cioè disegnare una superficie colorata in un livello vettoriale, come ad esempio fa Adobe Illustrator.

In CSP, i riempimenti si realizzano utilizzando livelli raster.

Per aggiungere un livello raster cliccare sull’icona New Raster Layer  nella Command bar della Layer palette (di default sopra ai livelli); per aggiungere un livello vettoriale cliccare sull’icona New vector layer  .

Uso dei livelli raster e dei livelli vettoriali

Personalmente, utilizzo i livelli vettoriali CSP per le linee, o lineart: in sostanza, l’inchiostrazione. I tratti realizzati in vettoriale sono gestibili con facilità: sono scalabili (ingrandibili o riducibili) senza perdita di dettaglio, correggibili e selezionabili velocemente. Per contro, non è possibile fare una campitura (oddio, si può anche riempire con un tratto vettoriale usandolo a mo’ di pennarello, ma con risultati a parer mio discutibili e malgestibili).

Uso i livelli raster per tutto il resto (e quando ho bisogno di effetti sulle lineart, es. color holds), anche se molti anche se molti li preferiscono anche per le lineart. Questione di gusti.

Mostra i tracciati vettoriali – Show vector paths

Si può abilitare o disattivare la vista del tracciato che su cui è costruito un tratto vettoriale. Basta andare  su View > Show vector paths > Show vector paths on selected layers.

 

 

Fig.  7 – A sinistra il tracciato non è visibile, mentre a destra sì.
Sono possibili anche altre opzioni, come visualizzare tutti i tracciati sui livelli vettoriali (Show all vector paths on vector layers); mostrare i punti di controllo all’inizio e alla fine del tracciato (Show control points at beginning and end) o mostrare tutti i punti di controllo del tracciato (Show all control points).

Livelli in un nuovo documento

Quando si crea un nuovo documento, di default questo contiene due livelli: un livello chiamato Paper (carta), e un livello raster. Il livello Paper sta al di sotto di tutti, ed è anche l’unico livello a non essere trasparente di default. Non può essere spostato dalla sua posizione e non può essere messo dentro a una cartella.

Fig. 8 - Livello Paper

Creando un nuovo file, nella finestra New (vedi prossima immagine) è possibile togliere la spunta alla casellina Paper color (n.15) e così facendo il livello Paper non viene creato, oppure è possibile decidere per un colore diverso dal bianco (cliccando nel riquadro 16); il colore del livello Paper potrà essere cambiato anche in un secondo momento. A questa situazione predefinita posso aggiungere quanti livelli (raster o vettoriali) voglio, a seconda della necessità o della complessità del disegno. Per aggiungere un livello raster o vettoriale basta cliccare, nella Command bar della Layer palette, l’icona corrispondente.

Fig.  9 – La finestra New

Collegare i livelli (spunta)

Il livello su cui si sta lavorando è quello con il simbolo della matita:

Fig. 10 – Livello su cui sto lavorando

Negli altri livelli in generale non appare nulla. È possibile però collegare più livelli tra di loro, toccando i livelli da collegare con il cursore a fianco dell’occhio corrispondente, facendo apparire un segno di spunta:

Fig. 11 – Livelli collegati

È possibile così spostare il contenuto, modificare la trasparenza, applicare effetti ecc. di tutti compiendo queste azioni solo sul livello con la matita. Il collegamento è piuttosto labile: se seleziono un livello che non sia quello con la matita, viene perso. Le spunte compaiono anche se seleziono più livelli contemporaneamente, tenendo premuto il tasto Shift.

- cliccare il tasto desto sul livello e scegliere Duplicate Layer;

- trascinare il livello sull’icona New Raster Layer nella Command bar della Layer palette. Funziona sia con livelli raster che vettoriali (ottenendo rispettivamente duplicati raster e vettoriali), ma entrambi i tipi di livello vanno trascinati sull’icona New Raster Layer (strano, ma è così);

- con lo strumento Move layer, tenere premuto Alt e trascinare il cursore sullo schermo;

- col livello selezionato, usare la combinazione di tasti Alt + L [impostazione personale];

- col livello selezionato, andare nel menù Layer > Duplicate Layer;

- da File > Command Bar Settings… estrarre un’icona per il comando, posizionarla sulla Command bar e poi utilizzarla, avendo prima selezionato il livello da duplicare.

Svuotare un livello

Si può voler cancellare il contenuto di un livello, mantenendo però il livello stesso. Un modo veloce è quello di selezionare il livello e poi cliccare l’icona Delete nella Command bar   .

Eliminare un livello

Selezionare il livello e, in alternativa:

- dal menù Layer > Delete Layer;

- cliccare  sul’icona del cestino nella Command bar della Layer palette;

- trascinare il livello nel cestino della Command bar della Layer palette;

- tx dx sul livello > Delete Layer.

 - senza selezionare nulla nella Tool property, clicco in un punto qualsiasi del Canvas e muovo: si sposta il contenuto del livello selezionato in quel momento;

 - seleziono Move the object at the clicked position: indipendentemente dal livello selezionato, muovo tutto il contenuto di un livello toccandone almeno una parte (quindi non basta toccare ovunque nel Canvas, ma bisogna toccare dove c'è qualcosa di disegnato);

 - seleziono Move layers in the selected area: dopo aver fatto una selezione, clicco al suo interno e muovo. Si sposta il contenuto di tutti i livelli racchiuso dalla selezione, mantenendo la gerarchia tra i livelli;

 - in entrambi i casi, se metto la spunta anche a Moved layers become selected, allora i livelli che sono stati interessati dal movimento vengono automaticamente selezionati nella Layer palette;

 - se spunto sia Move the object at the clicked position che Move layers in the selected area, è come se avessi cliccato solo Move layers in the selected area.

Ho passato i giorni successivi al capodanno 2023 alle prese con una faccenda un po’ spiacevole, che fortunatamente si è risolta senza troppe complicazioni.

Lidia, la mia dolce metà, navigando tra i suggerimenti di Instagram, ha riconosciuto in un simpatico video satirico una caricatura di Giorgia Meloni che ho realizzato qualche anno fa.

La caricatura è stata stampata in bianco e nero e in parte modificata per adattarla all’uso fatto nel video; dell’autore della caricatura, cioè io, nessuna traccia. La firma che di solito metto ai miei disegni è stata tagliata via e comunque non sarebbe stata visibile, dato il tipo di inquadratura.

La persona che ha realizzato il video, con i suoi profili conta numerosissimi follower e a me, sinceramente,  ha un po' seccato di non venire nemmeno citato. Non che il video sia stato visto grazie al mio disegno, ci mancherebbe, ma in quel video il mio disegno entra come parte importante della scenetta (era il ritratto del soggetto preso in giro).

Ora, a me potrebbe far anche piacere che i miei lavori siano utilizzati in contenuti di questo tipo, purché ci sia un accordo a monte; beninteso, non sto parlando di spillar quattrini a nessuno, ma solo di avere quello che credo sia un giusto, e minimo, riconoscimento. Poi, in queste cose, se accordate, può rientrare il discorso economico, ma non era questo che stavo cercando: in questo preciso caso a me interessava che fossi riconosciuto senza dubbi come l’autore della caricatura (N.B. in seguito, l’autrice del video mi ha detto che in media ha 40000 visualizzazioni a post, mica bruscolini).

Ho scritto dapprima un commento pubblico su tutte le piattaforme dove ho trovato pubblicato il video (Facebook, Instagram e YouTube; poi ho visto che è stato pubblicato anche su TikTok), chiedendo di aggiungere i miei riferimenti. Le uniche risposte ricevute però sono state quelle piccate di una fan, anche piuttosto offensiva nei miei confronti, a cui ho cercato di spiegare, inutilmente, le mie ragioni.

Ho contattato quindi la persona che ha realizzato il video tramite alcuni indirizzi email che ho trovato nei vari social e con un messaggio via Instagram al quale, prontamente, ha risposto. Ci siamo parlati e lei si è offerta di realizzare un secondo breve video in cui mi citava chiaramente come autore della caricatura, invitando i suoi follower a far visita al mio profilo, ed è stata di parola. La cosa è quindi finita bene e cordialmente.

Questa esperienza mi ha fatto ragionare su un tema sul quale ho notato esserci molta disinformazione, e sul quale anch’io devo ammettere di esser stato un po’ impreparato: il diritto d’autore, o copyright.

Anche se comunemente indicano la stessa cosa, ci sono alcune differenze tra diritto d’autore e copyright, e dipendono dal sistema giuridico adottato. In breve, in alcuni paesi anglosassoni si dà più peso al copyright, il diritto di copia, ovvero allo sfruttamento economico delle opere. Nei paesi europei si predilige invece il diritto d’autore, concetto che si fa risalire a Victor Hugo, che tende a tutelare appunto gli autori. Come lo conosciamo oggi, il diritto d’autore è stato stabilito nell’apposita Conferenza di Berna del 1886 con un trattato universale, allora sottoscritto da alcuni paesi europei, tra cui l’Italia, più la Tunisia e la Cina. La ratifica da parte degli USA è avvenuta nel 1989.

Attualmente, su 192 paesi nel mondo, 175 hanno firmato il Trattato.

Ovviamente, chi ha realizzato il video ha trovato il mio disegno in Internet: ha cercato una caricatura di Giorgia Meloni e tra i risultati c’era la mia, che poi ha scelto. Sapevo già che anche in rete le immagini di un artista sono protette dal diritto d’autore, ma prima di muovermi ho voluto chieder conferma a qualcuno che ne sapesse più di me. Le persone con cui ho interagito nel gruppo AUTORI DI IMMAGINI, diritti e doveri di Facebook sono state fondamentali per rassicurarmi sotto questo aspetto.

In sostanza, l’utilizzo di immagini realizzate da altri artisti va fatto nel rispetto del copyright (diritto legalmente normato, che si genera automaticamente alla creazione di un'opera d'ingegno) chiedendo in primis all'autore il permesso di poter utilizzare l'opera e comunque citando l'autore stesso, nella descrizione dell’immagine/video, senza modificare l'opera in assenza del consenso a farlo (per i dettagli: il Codice Civile, in seguito CC, norma il diritto d’autore agli articoli 2575 e seguenti).

Rientra quindi tra i diritti del creatore dell’opera utilizzata:

Come accennato, la mia priorità era di avere i credits per la caricatura; non ero interessato a un compenso (non che non ne sia mai interessato, ma nel caso specifico volevo che la cosa si risolvesse velocemente e in amicizia) ed ero intenzionato a tentar di far rimuovere il video dalle piattaforme qualora non avessi avuto un riscontro cordiale da parte della blogger.

La stessa mi ha detto che ha fatto una ricerca su Google, specificando immagini senza copyright; secondo quanto riportato quindi, dato che Google espressamente interpellato ha restituito anche la mia immagine, questa è stata considerata di libero utilizzo. La ragazza mi ha anche detto di esser caduta dalle nuvole al mio reclamo e mi ha chiesto da cosa avrebbe dovuto capire che il disegno era coperto da diritto d'autore, in che modo l'avessi "contrassegnato". Eccoci al:

Non è una cosa immediata da capire a chi è digiuno di linguaggio legale (anch’io, eh), ma in sostanza significa che le opere d’ingegno creativo (quelle che fanno parte quindi delle “Arti”), fanno acquisire al loro creatore il titolo del diritto d’autore per il solo fatto di essere state create: l’autore non deve dichiarare nulla! Non è necessario mettere la famosa ©, è superflua*!  Se ci si pensa, è anche ragionevole: un autore non ha occhi ovunque, e non è fisicamente possibile che possa tenere d’occhio ogni singolo possibile utilizzo delle sue opere; la Legge ribalta la questione: se vuoi utilizzare l’opera, devi accertarti che sia libera dal diritto d’autore e, se non lo è, cercare un accordo con l’autore prima di utilizzarla. Tanto più con l’avvento di Internet.  E qui siamo al:

Il materiale che si trova in Internet soggiace agli stessi articoli del CC, anche se si fa una ricerca con Google specificando “senza copyright”.

Bisogna comunque dire che Google dà un avvertimento, e non lo si può ignorare. Quando si fa una ricerca di immagini con Google e si seleziona un risultato, sotto all’anteprima dell’immagine selezionata appare la scritta "Le immagini potrebbero essere soggette a copyright. Scopri di più”; se si clicca su “Scopri di più” si apre una pagina in cui Google, tra le altre cose, dichiara che non è in grado di stabilire la proprietà del copyright in caso di controversie; è evidente quindi che non sia in grado nemmeno di stabilirlo in generale, se non rifacendosi al fatto che un'opera è del suo creatore fin dalla sua realizzazione. Quindi specificare “senza copyright” nella ricerca non serve a nulla.

A proposito, la durata del diritto d’autore, in Italia e nel resto dell’UE, si estende fino a 70 anni dopo la morte dell’autore (credo 95 anni negli USA): essendo io ancora vivo, godo ampiamente del mio diritto.

Altri motori di ricerca possono non avere la stessa avvertenza, per cui è consigliato agire con la massima prudenza possibile, e quindi accertarsi che l’autore sia o vivo o morto da meno di 70 anni e, nel caso, contattarlo (eventualmente gli eredi o chi detiene i diritti), per cercare un accordo. In ogni caso, però, bisogna citarlo, in altre parole mettere i credits.

Attenzione, anche la modifica del proprio lavoro senza autorizzazione implica la violazione del copyright (nel mio caso l’immagine era stata anche modificata), e anche l’uso non conforme a ciò che si è pattuito. Attenzione 2: le considerazioni viste fin qui valgono indipendentemente dal fatto che l'opera venga considerata meritoria o dal gusto personale. Cioè, se a te quel disegno non piace, se tuo cuggggino poteva farlo meglio, se a tuo parere quell'artista dovrebbe cambiare mestiere, nulla cambia: il disegno è coperto dal diritto d'autore, e non sei tu a decidere se questo diritto si debba rispettare o meno.

Come detto, con la blogger mi sono accordato, non ho neanche accennato a possibili richieste economiche e non ho dovuto adoperarmi per far rimuovere il video dai social. Ho creduto alla sua buonafede, che mi ha dimostrato peraltro attivandosi per riconoscermi i credits.

Tuttavia, nonostante la mia indulgenza, l’atto compiuto dalla blogger non è giustificabile: vige sempre il principio che la Legge non ammette ignoranza. Cioè:

Vale per tutte le leggi: il fatto che tu non sappia che stai commettendo una cosa illecita, non ti libera dalle conseguenze che fare quella cosa comporta. Si presuppone, cioè, che tutti siano informati delle leggi vigenti. È un principio del diritto penale il cui valore è esteso anche al diritto civile.

Ci sono delle eccezioni: in breve, quando ci siano oggettivi impedimenti alla conoscenza della Legge (ma si parla di situazioni di disagio sociale o culturale piuttosto gravi) o nel caso di dubbia e dibattuta interpretazione; tutte cose che ben poco hanno a che vedere con ciò che è successo nel mio caso.

Fanbase

La parte più difficile da affrontare mentalmente in questa vicenda è stata lo screzio con la follower maleducata. Sbagliando, mi sono inizialmente impuntato a voler far capire le mie ragioni a una persona che non è in grado di capire nulla. Il solo fatto di voler mettere la sua beniamina al corrente di un mio diritto oggettivo mi ha fatto diventare colpevole di lesa maestà. Ai suoi occhi sono una persona senza morale, senza empatia (?) e pure ignorante, perché “secondo lei” in Internet si può fare quello che si vuole. Secondo lei.

Nel mio piccolo, ho capito come di devono sentire quelle persone che devono affrontare ogni giorno non uno, ma decine (se non di più) di haters.

Una delle cose più importanti imparate da questa storia (oltre a conoscere meglio i miei diritti) è di contattare subito, direttamente e in via privata l'autore del "furto" dei disegni, senza cercare un confronto pubblico. Si evita così di perder tempo e salute mentale con soggetti terzi che non capiscono o non vogliono capire. Litigare sfianca.

Un altro commento un po’ ostile, poi rientrato, è stato fatto da un’altra follower successivamente alla pubblicazione del video “riparatore”. A suo vedere, la blogger in realtà mi aveva menzionato, e per ben due volte. Peccato che si riferisse proprio al video “riparatore”, non avendo seguito la controversia dall’inizio o semplicemente avendo fretta di dimostrare la mia “malafede”. Fattole notare la cronologia degli eventi, si è scusata.

Concludo

Qualche giorno dopo la conclusione della vicenda e accingendomi a scrivere questo articolo, ho voluto cercare delle fonti in rete che mi aiutassero a muovermi nel mare un po’ torbido (nel senso che faccio un po’ fatica a guardarci attraverso) delle leggi, delle definizioni, dei comportamenti da adottare, ecc.

In una delle pagine consultate viene consigliato di fare un "reverse image check" (controllo inverso dell’immagine) per scoprire se qualcuno sta utilizzando senza permesso le tue immagini.

Ho prima fatto una ricerca della mia caricatura e poi ho eseguito la ricerca inversa per vedere da dove arrivavano i risultati mostrati. Con mio rinnovato stupore, ho scoperto che la mia caricatura della Meloni è stata utilizzata a settembre 2022  in un articolo giornalistico di un periodico online, edito da una scuola di giornalismo della penisola in convenzione con l’Ordine Nazionale dei Giornalisti. Ovviamente, senza chiedermi il permesso…

Sapendo già cosa e come chiedere, in questo caso tutto si è risolto semplicemente con l’invio di una email, a cui è seguito l’immediato recepimento della richiesta; ciò non toglie che anche chi queste cose dovrebbe masticarle almeno un po' (ripeto: il periodico è curato da una scuola di giornalismo) a conti fatti sembra ignorarle.

Questo argomento fa il paio con un altro di cui sto interessandomi ultimamente, cioè  il recente smodato utilizzo delle Intelligenze Artificiali nel processo “creativo” delle illustrazioni, a cui forse dedicherò un altro articolo in futuro.

Tralasciando la questione del valore artistico, alcuni (molti forse) ritengono plausibile poter nutrire i motori di IA con tutto ciò che è possibile, anzi no, disponibile.

Le due problematiche, utilizzo indiscriminato delle IA e utilizzo senza permesso di immagini (forse l'argomento è unico...), spessissimo non fanno accendere nessun dubbio in chi non si occupa direttamente di queste cose. Per loro il problema non solo non è grave, ma proprio non esiste; credo pure che anche alcuni artisti abbiano una parte di colpa, vuoi perché non consci dei propri diritti,  vuoi un po’ per vanità (wow, hanno usato un mio disegno, che bello!) o forse pure per il comprensibile timore di esporsi in qualche maniera o di andar contro chissà quale pezzo grosso. In qualche caso potrebbe essere anche vero, credo.

 

Come si può fare a invertire queste non-convinzioni? Non lo so, credo non sia semplice. Di certo aumentare la propria consapevolezza, pretendere ciò che è giusto e, quando serve, prendere posizione. Forse servirebbe anche l’aiuto dei media per chiarire la materia ma, come visto, pare che anche i media non ne sappiano molto.

 

Breve aneddoto

Io sono un pesce piccolo, anzi, oserei dire microbico, ma non è la prima volta che mi imbatto in qualcuno che utilizza i miei disegni senza dirmi niente. Qualche anno fa uno fece passare una mia caricatura come sua. Mi disse che ce l'aveva tra i file e pensava di averla fatta lui: eeeh? Cioè, manco riconosci quel che fai?

Ho fatto molta fatica a parlarci, ma alla fine sono riuscito a fargli togliere la vignetta dai suoi social; ogni tanto controllo perché non si sa mai.

* La © non è comunque inutile; consiglio di dare una letta ai link di seguito.

* * *

Non sono un esperto legale, ma credo che l'impianto generale dell'articolo sia piuttosto corretto. Tuttavia, se ho detto delle imprecisioni sono aperto alla critica e alle modifiche.

Per approfondire:

 

La violazione del copyright

Come viene tutelato il diritto d’autore su Internet?

Diritto di citazione

Copyright: citazioni e utilizzo parziale di opere sul web Quando si può

Google immagini: è legale utilizzarle?

Simbolo Copyright ©: qual è il suo significato e quando ha senso usarlo?

La violazione del copyright

Registrare copyright: tutto quello che devi sapere

Responsabilità dei fornitori di servizi hosting

Ricerca tramite immagine di Google

Diritti d'autore

Convenzione di Berna per la protezione delle opere letterarie e artistiche

Paesi Convenzione di Berna

Il mio post in Autori di Immagini: diritti e doveri

e il libro

Il Diritto D'autore nelle Opere a Fumetti, di Salvatore Primiceri e Annalisa Spedicato - PE Primiceri Editore - € 15,90

lo puoi trovare qui:  Amazon - IBS - Libreria Universitaria e altri.

* * *

Ah, eh sì, anche questo articolo (come tutti quelli di un blog) è coperto dal diritto d'autore 😉.

Inizio con questo articolo una serie di approfondimenti sull’uso di Clip Studio Paint (CSP).

Sebbene inizi partendo dalle basi, ovvero come impostare le dimensioni di un nuovo documento, non è detto che in futuro segua un ordine cresecente di complessità degli argomenti; potrei passare di palo in frasca, a seconda del tempo che avrò per redarre un articolo o alla voglia 🤪.

Spero di riuscire comunque a toccare tutti gli argomenti che conosco di più (e che si possono trovare anche nei miei appunti qui).

La versione di riferimento del programma è la EX (1.13.0, dicembre 2022, ma ciò che è scritto va bene anche per versioni precedenti, purché non vecchissime); il sistema operativo è Windows 11.

Per creare un nuovo documento vado su File > New; si apre la seguente finestra:

Attenzione, questa immagine è una composizione di più immagini; in realtà le opzioni non sono tutte visibili contemporaneamente

Scelgo il tipo di documento con una delle sei caselle in Project (in corrispondenza del numero 1). I tipi possibili di documento sono: Illustration, Webtoon, Comic, Printing of Fanzine, Show all comics settings, Animation. Tranne Animation, che ha delle proprie caratteristiche, le altre opzioni sono simili e rappresentano dei  casi particolari dell’opzione Show all comics settings (n. 2), che io preferisco.

Posso dare un nome al file (3; di default il programma inserisce Comic). In corrispondenza del n. 4 si può indicare il percorso dove salvare (Save to; cliccare sull’icona della cartella a lato): questo spazio appare se si crea un file multi pagina (Multiple pages, spuntare 30), altrimenti il percorso si decide al momento del salvataggio.

Quando creo un nuovo documento posso scegliere un insieme di dimensioni proposte dal programma nei Preset (che si trovano in 5) oppure impostare delle dimensioni personalizzate. Questo è molto utile perché il programma non propone tutte le opzioni esistenti: non ha ad esempio l'A3 tra i set preimpostati;  non ha i modelli di pagina delle varie case editrici; o semplicemente propone dei modelli che magari usiamo, ma non come ce li imposta lui (ad esempio posso preferire, se lavoro su un A3, che la dimensione massima del foglio sia effettivamente un A3, e non un A3 più dell'altro spazio che CSP ritiene possa essermi utile).

Attenzione: ciascuno degli Use of work ha un suo insieme di Preset, originali o aggiunti. Se salvo un preset personalizzato in Show all comics settings e poi, per un altro lavoro, decido di utilizzare Comic come Use of work, non ritroverò quel preset tra le opzioni ma dovrò ricrearlo.

Vediamo quali valori impostare (ricordarsi di settare l'unità di misure in mm in alto a destra, 8):

Canvas (9): le dimensioni dell’area di lavoro vera e propria su cui disegno, come se fosse un grande pezzo di carta; continuando con l'analogia dell'A3, non sono le dimensioni dell'A3 (297x420 mm), ma A3 più una cornice, come se la tela di un quadro fosse più grande di quella che mi serve (larghezza e altezza, 10 e 11) per un dipinto; è possibile impostare la risoluzione (12) del documento e se sarà a colori, scala di grigi o bianco e nero (13).

Spuntando la casellina Paper color (15) è possibile scegliere per le pagine un colore diverso dal bianco.

Spuntando la casellina Template è possibile impostare un modello di gabbia tra i vari a disposizione nella libreria dei materiali (i Material, probabilmente ci dedicherò un articolo più avanti). Nel caso di un documento multi pagina, tale modello verrà applicato a tutte le pagine. I template, una volta sul Canvas, possono essere anche modificati.

Comic settings (18) [ex Manga draft settings] :

qui vengono impostate le dimensioni del foglio, Binding (finish) size, e della gabbia, Default border (inner) size.

• Binding (finish) size (19), contiene:

- Width (20) [larghezza] e Height (21) [altezza] dell'area utile, ad esempio le dimensioni del foglio A3 (297,00 x 420,00 mm); in seguito mi riferirò a queste dimensioni con Binding;

- il valore Bleed width (22), ossia un margine di sicurezza di qualche mm (proposto dal programma, ma modificabile), esterno alla dimensione del foglio, su cui si può continuare a disegnare e che rappresenta l'incertezza nel taglio tipografico finale delle pagine;

• Default border (inner) size (23): è l'ingombro della "gabbia”, cioè l'ingombro delle vignette; dipende da quanto margine si vuole lasciare tra le vignette e il bordo pagina (24 e 25).

Dalla casellina a fianco della larghezza è possibile scegliere tra varie misure proposte o  delle misure personalizzate (opzione Custom): basta digitare le misure desiderate. Vicino all’altezza è presente un’altra casellina, che di default è impostata su Set size. L’altra opzione possibile è Set margin: selezionandola, anziché impostare le misure della gabbia, si può impostare quanto distante dal Binding deve stare ciascuno dei suoi lati (Top, Bottom, Inside, Outside, con Inside il lato della rilegatura).

Con X offset e Y offset (26) si può decentrare orizzontalmente e verticalmente la gabbia sul Canvas.

Bisogna fare un po' di attenzione quando si impostano i vari valori personalizzati, sembra di far le cose giuste ma spesso quando si dà l'OK il risultato non è quello che ci si aspettava.

La cosa migliore da fare è impostare per primo il Binding, ovvero le dimensioni del foglio (nel nostro caso dell'A3, 297x420mm). Se va bene il Bleed da 5mm lasciarlo, sennò modificarlo.

Impostare poi il Default border (inner) size, cioè le dimensioni della gabbia, le cui dimensioni saranno minori di quelle del foglio.

A questo punto, se non si hanno particolari esigenze, non occorre far altro: CSP aggiunge un po' di mm al Binding (aumentato del Bleed) e propone delle dimensioni per il Canvas. Se si opta per modificare il Canvas, ricordarsi che le sue dimensioni non devono mai essere inferiori alle dimensioni del Binding più 2 volte il Bleed (una a sinistra e una a destra; una sopra e una sotto).

In soldoni, con l’esempio dell'A3 (297x420 mm) e con Bleed da 5 mm, il Canvas dovrà essere almeno:

297+5x2= 307 mm di larghezza (Width 10)

420+5x2= 430 mm di altezza (Height 11)

Se si imposta il Canvas più piccolo il programma dà un messaggio di errore.

Il set personalizzato può essere salvato tra i preset con il pulsantino (6) o cancellato col cestino (7).

Nell'immagine seguente si vede il foglio di lavoro impostato con i valori appena visti per il Default Border Size, il Binding size e il Bleed; il Canvas è stato lasciato più grande, così da riuscire a vedere i contorni di tutti gli spazi:

Meglio che il Canvas non sia la semplice somma dei valori appena visti, poiché se voglio aggiungere altre informazioni alle tavole, come quelle indicate nella sezione Story Information (argomento che toccherò in un altro articolo), queste han bisogno di un po’ di spazio per essere visualizzate.

È comunque possibile modificare tali parametri dopo aver creato il documento, andando in Story > Change basic page settings oppure Story > Change basic work settings.

Ricapitolando, imposto nell'ordine:

Binding (foglio: A4, A3, B4, ecc.);

Bleed (margine di sicurezza):

Default border size (gabbia);

se serve, alla fine, aggiusto il Canvas.

Di seguito un altro esempio di impostazioni:

In questo caso la dimensione del Canvas è pari alla dimensione del Binding size più due volte il Bleed.

Bleed

Di seguito, la traduzione della pagina di Wikipedia dedicata al Bleed (https://en.wikipedia.org/wiki/Bleed_(printing)). In italiano questa pagina particolare non c'è; se lo si vuole cercare in rete, il termine corrispondente a Bleed in italiano è "abbondanza".

Bleed è un termine di stampa che si riferisce alla stampa che va oltre il bordo del foglio prima della rifilatura. In altre parole, il Bleed è l'area in cui si può tagliare [cioè la zona di incertezza in cui la lama può fare il taglio]. Il Bleed è la parte ai lati di un documento che dà al tipografo un piccolo spazio per tenere conto del movimento della carta e delle incongruenze progettuali. La grafica e i colori di sfondo possono estendersi nell'area di Bleed. Dopo la rifilatura, il Bleed assicura che nel documento rifilato finale non ci siano bordi non stampati.

È molto difficile stampare esattamente fino al bordo di un foglio di carta o cartone, quindi, per ottenere questo risultato, è necessario stampare un'area leggermente più ampia di quella necessaria e quindi tagliare la carta o cartone fino al formato finale richiesto. Le immagini, le immagini di sfondo e i riempimenti destinati a estendersi fino al bordo della pagina devono essere estesi oltre la linea di rifilatura per permettere il Bleed.

I Bleed negli Stati Uniti sono in genere eccedono di 1/8 di pollice [3 mm circa] da dove deve essere fatto il taglio. Nel Regno Unito e in Europa sono generalmente da 2 a 5 mm oltre la linea di taglio. Ciò può variare da una tipografia all'altra. Alcuni tipografi richiedono dimensioni specifiche; la maggior parte delle tipografie pongono i requisiti specifici sul loro sito web o offrono modelli già impostati per le impostazioni di Bleed richieste.

Bleed information Le informazioni di Bleed fanno riferimento a elementi esterni al pezzo finito. Spesso uno stampatore richiede le informazione di Bleed dei pezzi che hanno il Bleed per consentire il "printer bounce" [non ho trovato traduzione, a occhio potrebbe essere il margine di errore della tipografia... EDIT: Per “bounce” ho trovato una definizione qui; traducendo: “Il bounce è un problema di registrazione ricorrente nella fase di stampa della produzione. In altre parole, l'immagine "rimbalza" sul foglio e non viene stampata nello stesso punto su ogni pagina. È possibile avere il bounce di un solo colore.”- Probabilmente vuol dire che in ogni foglio la posizione della stampa è leggermente diversa, per cui il taglio sarà in posizione relativa differente, ed ecco perché serve il Bleed ] quando si fa un lavoro su misura. Se non vengono fornite informazioni sul Bleed e sui segni di rifilatura (Crop marks), i pezzi finiti possono presentare una sottile superficie bianca sul bordo.

Die-cuts Fustellature. Talvolta richiedono un Bleed da 1/4 di pollice [circa 6 mm] da dove la pagina deve essere tagliata; ciò è dovuto al possibile movimento della carta durante la procedura di fustellatura.

Full bleed è la stampa da un bordo all'altro della carta senza i bordi standard con cui la maggior parte delle stampanti personali sono limitate. Ciò è utile per la stampa di brochure, manifesti e altro materiale di marketing.

Immagine tratta da Wikipedia, ma mi piace poco...

1. Trim, è dove il prodotto verrà tagliato.

2. Bleed, è la zona al di fuori dell'area di ritaglio.

3. Il margine è la zona all'interno dell'area di ritaglio.

[per me quest'immagine è un po' fuorviante: credo che vada considerata area di ritaglio la zona da 3 a 2, ossia tutta la zona esterna al margine, dove può cadere la lama]

... provo a rifarla

I limiti dell’area di taglio sono qui rappresentati dal’area di Bleed, che corrisponde alla zona racchiusa tra le linee 2 e 3 dell’immagine precedente.

La parte più esterna corrisponde alla linea 2, la più interna (linea verde binding) alla linea 3. Il tratteggio rosso è il taglio, che può cadere ovunque nell’area di Bleed, e corrisponde alla linea 1 dell’immagine precedente. Binding è il margine “teorico” del foglio, es. un A3. Se il Bleed taglia al di fuori del binding, la linea di taglio diventa il vero margine. La gabbia, ovvero Default border (inner) size, nell’immagine precedente non c’è. Al di fuori dell’area di Bleed (cioè nel resto del Canvas) posso pure a continuare a disegnare, ma in nessun caso ciò che è presente al di fuori sarà presente a lavoro finito.

E se devo cambiare un progetto in corso d’opera?

E se devo cambiare qualche parametro quando ho già iniziato a lavorare? O peggio, quando il mio lavoro è già ben avviato?

È possibile modificare i parametri della pagina da Edit > Canvas properties… in cui ritrovo tutti i parametri legati alle dimensioni (una specie di finestra New ridotta), che posso andare a modificare. Rimane valida l’osservazione di stare attenti alla somma delle dimensioni della pagina e del Bleed: in caso eccedesse quelle del Canvas, bisogna modificare anche queste.

Canvas Properties

Può essere che la finestra appaia con dimensioni più ridotte, qui l’ho estesa per mostrare tutti i parametri.

Non ho fatto la prova per questa particolare operazione, ma in teoria se si devono modificare molte pagine si può avviare un processo in batch da File > Batch process…, che permette di applicare le modifiche a più tavole in un colpo solo, senza dover ripetere le stesse operazioni manualmente.

Safety margin

Dalla versione 1.8.4 (Nov. 2018 ) è presente un’altra impostazione nei settaggi generali del foglio. Si tratta del Safety margin (figura seguente; si imposta in 28 nell'immagine più sopra).

Safety margin, immagine presa dal manuale online di CSP

È un bordo di sicurezza esterno alla gabbia che garantisce la stampa di ciò che viene disegnato, qualsiasi sia il formato di stampa che verrà utilizzato, specie se si pensa di stampare il lavoro con formati differenti, in particolare, che abbiano rapporti differenti tra i lati. Ad es., A3 e A4 hanno lo stesso rapporto tra i lati (1,41...) e quindi il passaggio dall’uno all’altro non crea problemi, ma se volessi pubblicare anche in formato Lettera, che ha un altro rapporto tra i lati (~1,3), il Safety margin può essere utile: se esco dalla gabbia, devo ricordare di tenere le cose importanti (es. personaggi, dialoghi) all’interno del Safety margin.

Vedi anche qui.

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© Copyright Matteo Paolelli